01 - Akron/family - S/T II: The Cosmic Birth and Journey of Shinju TNT

Disque souple, si l'on veut, au titre impossible. S/T II: The Cosmic Birth and Journey of Shinju TNT passe de la ballade pop au riff net, tranchant, pur car joué sur une guitare saturée, et en toute logique inversement, sans craindre les onomatopées qui finissent malgré elles par avoir un sens, voyelles puis mots, comme si l'on apprenait à parler en chantant ....

02 - Tim Hecker - Ravedeath

Ravedeath, 1972 a quelque chose de la musique sacrée d’un monde sans religion. Les motifs s’y enchevêtrent comme dans une fugue et l’auditeur retient son souffle devant la fulgurance de chacun des moments de ce disque.

03 - Grails - Deep Politics

Pour les siècles et les siècles, Grails sera la réplique du XXIème siècle à ce que les années 1970 n'ont pas su accomplir. La mise au jour de leur manque paradoxal de radicalité. L'incapacité à se penser elles-mêmes comme une origine, et non pas seulement comme un aboutissement.

04 - Timber Timbre - Creep On Creepin' On

La musique de Timber Timbre se veut plus lancinante à l’image de Black water, où la basse semble marquer des moments d’arrêt à chaque instant. Des instants chaloupés qui soulignent la nonchalance d’une voix moins ouverte moins démonstrative de son art. Ici, il semble que le Canadien se laisse plus aller, il n’y a pas de fard dans cet album. Pas de coups de semonces, pas d’envolés lyriques. Seulement l’âme d’un artiste, qui après quatre albums, se laisse aller et donne à son art tout l’espace nécessaire pour que ce dernier puisse s’exprimer et se déployer vers son auditeur.

05 - Mogwai - Hardcore Will Never Die But You Will

Hardcore Will Never Die, But You Will, avant d'être un disque de Mogwai, c'est d'abord un bon disque. Riche, intelligent, et varié, abrupt, dur, et poétique. En dix ans, le groupe a changé. Ni en bien ni en mal — simplement changé.

06 - Chicago Odense Ensemble - S/T

Pur produit de la scène jazz / post-rock de Chicago (Rob Mazurek, Jeff Parker, etc.), Chicago Odense Ensemble offre un disque en forme d'hymne aux mélodies, à l'expérience, au rythme, à l'invention.

07 - Pat Jordache - Future Songs

Pat Jordache aka Patrick Grégoire fait œuvre d’éclectisme et de cette spontanéité si caractéristique d’un premier album : une manière d’enregistrer ou de concevoir la musique sans à priori, sans plan de route, sans réelle structure, sans une idéologie préconçue de la musique et de l’œuvre qu’on entend proposer.

08 - Deaf Center - Owl Splinters

Le jeu remarquable de piano côtoie les larsens sauvages de guitare. Les caresses délicates annoncent au loin des ouragans de son. Qu'il nous plonge dans d'abyssales ténèbres ou qu'il nous porte dans ses élans angéliques, Deaf Center atteint l'excellence.

09 - Apocalypse - Bill Callahan

Avec son Apocalypse, Bill Callahan a fait le choix d’un album court, qui sert parfaitement un répertoire où chaque minute s’écoute avec recueillement. Dix ans après, on retrouve un Bill Callahan qui ne cesse de se bonifier avec l’âge. A ce rythme là, on prend rendez-vous pour écouter la suite.

10 - Vladislav Delay Quartet - S/t

... L'art majeur du quartet: celui d'ordonner le chaos, de le façonner à sa volonté, avec énergie et force inventivité. Aussi ce jazz bâtard, friand d'expérimentations et de détours imprévisibles, n'est jamais exécuté dans un froid détachement ni dans la débauche d'effet. Ses auteurs sont vraiment de fins ouvriers.

11 - Action Beat - Beatings + Unbelievable Fuck Ups — Improvised Bonus Jams

C'est quoi Action Beat ? Eh bien, au moins deux ou trois (ou plus) batteurs, quatre guitaristes, et un bassiste qui font du noise improvisé. Décrire leur musique, morceau après morceau, c'est une gageure. On préfère retenir la force et l'énergie, la manière de délire continuellement renouvelé, la franche folie, et l'innocence aussi, qui émane de Beatings, comme si le son comptait plus que le sens.

12 - King Creosote & Jon Hopkins - Diamond Mine

Les mots ... sont vains pour dire ce que les deux hommes dans une alchimie symbiotique livrent avec une simplicité et une maîtrise qui forcent l’admiration : à savoir une vision fantasmée de l’évasion à l’âge électronique, des souvenirs de paysages intimes qui s’effacent à mesure que croît une sensation perçante de nostalgie.

13 - Half Asleep - Subtitles For The Silent Versions

Ça commence comme une petite bluette monocorde, un thème serein et effacé, et peu à peu la folie gagne, la machine sensationnelle s'emballe. Ça descend, ça monte , jusqu'au vertige, l'étourdissement, voluptueux dans ses silences, gracieux dans ses esclandres : une dernière invitation, une dernière histoire. Qu'on écoutera toute une vie...Bouleversant !

14 - Low - C'mon

Low est enfin arrivé à trouver un équilibre idéal. Le point d’orgue d’une carrière qui n’a rien à envier aux plus importantes formations en la matière. Osons le dire : C’mon, est un vrai petit bijou, un album de folk songs tendues, épiques et intenses qui sait laisser la part belle à l’épure.

15 - Enablers - Blown Realms And Stalled Explosions

Ce que Doug Scharin fait certainement à la musique d'Enablers, c'est de mettre plus clairement encore l'accent sur les contrastes qui la constituent. Contrastes dans les périodes, qui font alterner justement rage et calme. Contrastes dans les intentions, et la structurante contradiction entre une voix qui dit de la poésie, et des guitares qui jouent des riffs. Ainsi, dans ce punk, qu'il faut bien dire, malgré tout, "post-punk", ... tout se repousse en s'épousant.

16 - Cyrus Malachi - Ancient Future

Cyrus Malachi bénéficie d’instrumentaux d’une rare qualité par les temps qui courent. Un son bien lourd, crade, oppressant et lancinant sur lesquels il livre une guerre sans concession, soit à peu prés tout ce que les disciples du Wu sont incapables de faire depuis bien longtemps… Avec Cyrus, la recette paraît intemporelle.

17 - Nils Frahm - Felt

Nils Frahm poursuit son chemin, dévoilant au piano une musique très mélancolique et malgré cela définitivement enthousiaste. C'est ce qu'on retient de Felt, qui s'il n'est pas révolutionnaire pour un sou, possède un réel pouvoir de séduction.

18 - Pierre Lx - Out 1

Voilà un disque fou et géométrique, dans le sens où l'on peut l'approcher sous différents angles. Tout devenant alors une histoire de point de vue ; à l'instar du film fleuve de Jacques Rivette auquel il emprunte une partie de son nom - Out One : Noli Me Tangere . Pierre LX, le "réalisateur" de cette pièce musicale, y triture les racines de la musique électronique et se propulse vers le futur.

19 - Hecq - Avenger

L'expérience que Hecq a gagnée au grès des albums (et en tant que sound designer) lui permet de proposer un dubstep qui surclasse les autres. ... Hecq a radicalement changé. Résigné, semble-t-il, à quitter la grâce céleste pour plonger corps et âme dans la moiteur des clubs. Et même si je ne désespère pas de le voir un jour nous offrir encore quelques perles symphoniques, je suis bien obligé d'admettre que son nouveau costume d'avenger lui sied à merveille.

20 - Dope D.O.D. - Branded

Branded est un album éclectique qui a su trouver le ton entre révérence pour le hip-hop oldschool et production moderne. Leur univers angoissant est certainement celui que les gens retiendront du groupe, mais les clins d’œils aux années 90 sont bien sentis et apportent une fraicheur certaine à l'ouvrage. Que du bon en somme.

On va le voir, 2011 est une année faste pour l'australien Oren Ambarchi. Mais il est connu pour ça: pour ne jamais s'arrêter, pour passer de continents en continents et enchaîner les projets à une vitesse qui défie l'entendement.

D'abord batteur, il est devenu en quelques années un des électrons libres les plus adulés des musiques électriques et aventureuses. Ses accointances avec des formations telles que Sunn O))) y sont certes pour quelque chose. Ses apparitions régulières au côté de figures importantes des musiques expérimentales comme Keith Rowe, Otomo Yoshihide, Z'EV ou Gunter Muller, ont aussi grandement œuvré à sa reconnaissance internationale. Mais le plus important, il le doit surtout à lui-même et à des albums de la trempe d'Insulation (Touch, 1999), Triste (Southern Lord, 2005) ou The Pendulum's Embrace (Touch, 2007) qui ont tous, chacun à leur manière, imposé sa vision d'une ambient music de l'extrême, pas si loin que ça de certaines expériences propres aux musiques minimalistes.

En solitaire, la guitare électrique est devenue son meilleur compagnon, sa pratique si particulière de l'instrument l'érigeant au rang d’éminence du jeu micro-tonal et du drone le plus écrasant. Cela dit, encore aujourd'hui, il n'hésite pas longtemps s'il lui faut accompagner ses camarades à la batterie. On l'a bien vu récemment pour un album d'une forte intensité électrique: Tima Formosa, au côté de ses acolytes guitaristes Keiji Haino et Jim O'Rourke.

Mais revenons à cette années 2011. Déjà quatre projets sont sortis où Ambarchi partage l'affiche, le plus souvent, avec des complices de toujours. Citons en trois: Indeed avec Jim O'Rourke (la chronique arrive bientôt sur Dmute), Dream Request avec Robbie Avenaim, et In A Flash Everything Comes Together As...le successeur tant attendu du terrible Tima Formosa.

En attendant la sortie d'un nouvel album solo prévu pour la fin d'année, vous pourrez croiser Mr. Ambarchi le 1er novembre au Batofar et le 8 novembre à la Gaîté Lyrique si vous êtes parisiens. A bon entendeur...

Pour ma part, j'ai rencontré l'australien au printemps dernier à l'occasion d'un concert donné au collège des bernardins.



Photo : Mickael Berland (pandemik@dmute.net). Oren Ambarchi, le 12 avril dernier à Paris.

Le néo-zélandais Campbell Kneale conçoit la musique comme une expérience mystique. Ses apparitions live ont toujours l’allure de rituel ou de prière primitive dont la frénésie confine à la trans. La guitare électrique est son instrument de prédilection qu’il triture et torture dans d’interminables séances de magie noire à l’impact quasi-physique.

Élevant des murs de saturation et de distorsion infranchissables, conviant parfois synthétiseurs et percussions tribales, Kneale s’est imposé comme un nouveau « noise hero », un véritable gourou au vu de l’enthousiasme incroyable que ses productions sous le nom de Birchville Cat Motel ont engendré au Japon, en Europe et aux États-Unis

En 10 ans le néo-zélandais a fait l’offrande d’un nombre incalculable d’albums, de vinyles et de cassettes, démontrant une urgence de créer et d’inventer assez exceptionnelle. Lorsque celui-ci a décidé d’abandonner l’aventure Birchville Cat Motel au courant de l'année 2008 (il pensait avoir fait le tour de la bête) il aurait bien pu prendre des congés sabbatiques ! Mais c'était sans compter sur son appétit musical insatiable. Le voilà donc parti tête baissée dans un nouveau projet nommé en hommage à un des derniers albums de BCM : Our Love Will Destroy The World. Un pseudonyme qui je crois résume bien sa philosophie. 4 albums et autant d'EPs sont sortis depuis, dévoilant une musique moins minimaliste dans l'esprit qu'alambiquée et joyeusement excessive, épique et toujours aussi émotionnelle.

Cette photographie a été prise le 4 mars dernier, lors de son passage aux Voûtes (Paris 13e). Il était en compagnie de Stephan Mathieu.



photo: Mickael Berland (pandemik@dmute.net)

Le sound-designer Stephan Mathieu vient de sortir deux nouveaux disques sur les labels 12k et Line: respectivement le labyrinthique A Static Place et le monolithe Remain. A l'instar de son classique Radioland, ces deux œuvres totalement hybrides plongent l'auditeur dans une ambient music majestueuse, mue entièrement par l'amour du son. C'est pourquoi A Static Place et Remain figurent sans doute parmi les plus beaux travaux que l'allemand ait réalisé jusqu'à présent.

A cette occasion, je lui consacre un portrait photographique. J'ai pu rencontrer l'homme lors d'un concert donné aux Voûtes, à Paris, dans le courant du mois de mars.

A noter, que sa tournée le mènera de nouveau dans la capitale le 9 juin prochain où Il se produira au Collège des Bernardins pour la soirée de clôture du cycle Alter-minimalisme, une série de concerts organisée par David Sanson sur les nouvelles formes du minimalisme en musique.

En attendant, vous pourrez trouver sur Dmute la chronique de A Static Place.


Photo: Mickael Berland (pandemik@dmute.net)

Comme celle de Gavin Bryars, la musique de Philip Jeck vient des profondeurs. Depuis ses platines vinyle et son sampler, le britannique projette les sons de vieux enregistrements surannés à travers des abîmes liquides. Au craquement du disque, s’ajoute des sifflements amplifiés, des saturations et des rumeurs lointaines brouillées par des réverbérations spectrales. C’est un naufrage à l’envers : la carlingue monumentale d’un navire perdu au fond des mers qu’on remonte à la surface.

Ce sentiment est particulièrement prégnant quand on pose une oreille sur An Ark For The Listerner, le dernier album du britannique. Il s’agit d’une oeuvre « océanique » dont la récurrence des thèmes rappelle The Sinking Of The Titanic, le manifeste de Bryars. Il en possède peut-être par moment la même aura de majesté. Pour la petite histoire : Jeck s’est déjà réapproprié par le passé la pièce maîtresse du compositeur minimaliste, au côté du collectif Alter Ego. De là à parler de filiation, il n’y a qu’un pas qu’on aurait vite fait de franchir.

Pour autant, on ne dépasserait pas ici le mur des apparences car en musique, la véritable école de Philip Jeck fut celle des pionniers du turnatablism tel que Larry Levan, ou Walter Gibbons. On est alors dans le Londres des années 80 et ces figures de pointe du dub new-yorkais viennent se produire dans les clubs où Jeck officie en tant que Dj. Il a sans doute beaucoup appris de leurs gimmicks et de leur approche visionnaire de la matière singulière contenue sur les disques vinyles.

Mais c’est surtout sous l’influence du plasticien et platiniste américain Christian Marclay, que Jeck pousse sa pratique du turntablism vers des territoires encore vierges de tout défrichage et beaucoup plus visuels en substance : ceux de la performance live et du cinéma pour l’oreille. Désormais, les sonorités que Jeck ravivent depuis les tréfonds des sillons des disques vinyles s’agglomèrent en strates parallèles, dessinent des paysages éthérés où les repères sensitifs sont voilés par la brume des âges et les effets des consoles.

Il convient enfin d’insister sur l’importance du geste dans l’esthétique Jeckienne : motif performatif par lequel la mémoire sonore des vinyles est rendue à la vie, inhumée comme pour une séance de spiritisme de l’âge électronique. Ainsi, la dimension live s’oppose directement au travail traditionnel d’enregistrement en studio, d’archivage sur la matière inerte qu’est le Cd. C’est pourquoi chaque disque du britannique résulte d’un collage kaléidoscopique d’enregistrements de ses propres concerts, souvent assemblés d’une manière abrupte qui défie toute logique.

Editée par le label anglais Touch, l’œuvre de Jeck prend depuis une dizaine d’année une tournure ambient mais poursuit sur sa trajectoire singulière entre nostalgie créatrice et visions futuristes où l’essence profonde des disques vinyles forme le liquide amniotique d’une nouvelle conscience collective.

J’ai eu la chance de pouvoir rencontrer Philip Jeck lors de son dernier passage à Paris, à l’occasion de l’ouverture du cycle « alterminimalism » au Collège des Bernardins. Un cycle de concerts dédié aux nouvelles formes du minimalisme en musique.


Photo: Mickael Berland (pandemik@dmute.net)

Premier volume d’une collection de numéros hors-série du son du grisli (sorte de Wire à la française dirigé par notre ancien responsable jazz et musiques improvisées : Guillaume Belhomme, alias grisli), ces sept batteries proposent sept portraits de batteurs et quelques critiques des disques qui illuminent leur discographie.

On salue tout d’abord la chance donné du papier d’aller plus loin que le numérique, en thématisant l’approche de la musique, qui donne de la cohérence à la fragmentation propre au site internet. On remarque ensuite l’élégance de la présentation, sobre et claire. Ainsi qu’une touche qu’on dira peut-être “dada” dans la notice qui accompagne le numéro. Quant aux textes proprement, consacrés au jazz, ils tiennent sans doute, en ce qui concerne leur esprit, dans ces quelques lignes d’ouverture, signées Guillaume Belhomme :

« Il existe une idée commune de la batterie. La plupart des batteurs s’en contentent, certains autres la développent et d’autres au contraire la réduisent. À un simplement élément — un élément qui n’en gagne pas pour autant le statut accepté de percussion puisque l’intérêt qu’il suscitera désormais aura à voir avec son histoire et ses souvenirs d’unique élément subsistant d’un ensemble patiemment décimé. Pour se consacrer plus inensément à cet élément qui leur reste, ces batteurs-là doivent avoir à dire. D’autant plus que, pour corser le tout, ils ont souvent un intérêt en commun, qui a pour nom silence. »

Les batteurs : Fritz Hauser, Chris Corsano, Pierre Favre, Le Quan Ninh, Ingar Zach, Jason Kahn, Sunny Murray.

Stylées, pointues sans être absconses, souvent simplement belles (comme le texte que Luc Bouquet consacre à Pierre Favre), ces sept batteries sonnent juste, et différemment, donnant un peu de souffle, des idées et de l’ambition à une critique musicale qui est trop souvente indigente.

Deux autres numéros sont déjà prévus : sept guitares et sept pianos. A suivre, forcément à suivre.

http://www.lesondugrisli.com

Franck Vigroux est un multi instrumentaliste français, et patron d’un bien mystérieux label : D’autres Cordes records. Il évolue dans un territoire musical intermédiaire, qu’on situerait à la frontière des musiques improvisées et de la musique électro-acoustique. Mais qu’on le trouve avec une guitare entre les mains ou derrière des platines, en solo ou accompagné, c’est toujours pour faire entrer l’auditeur dans un monde parallèle franchement paranoïaque et pour cette raison pas si éloigné du notre. Ses armes de prédilection ? Un chaos de saturations, des rythmiques martiales et autant de samples féroces.

Son dernier album en solitaire, Caméra Police, est sorti cette année. Ce pourrait être la bande son d’un film expérimental mettant en scène la fuite d’un homme en proie à une société totalitaire. L’album se décline en 10 mots de passe, allant de Caméra à Juda en passant par Matraque ou Garde à vue : 10 pièces cinématiques pour nous faire pénétrer un univers angoissant sous haute surveillance.

J’ai pu rencontrer Franck Vigroux à l’occasion de sa performance au côté du musicien new-yorkais Elliot Sharp et des harpistes Hélène Breschand et Zeena Parkins. C’était aux instants chavirés de Montreuil. Voici donc son portrait, le deuxième de ma série !

Pour lui rendre visite: http://www.franckvigroux.com

Le site de D'autres Cordes records: http://dautrescordesrecords.com


Photo: Mickael Berland (pandemik@dmute.net)